Bonsoir cher-ère-s ami-e-s, ici Marcel Lement. Au cours de cette chronique, je vais partager avec vous ma vision de certains comiques.

Définissons tout de suite ce dont il va être question pour éviter les fausses attentes. Je ne suis pas, contrairement à ce qu'on pourrait penser, un grand spécialiste des comiques ou de la culture en général. Je ne suis pas non plus historien ou sociologue; c'est pourquoi mes opinions ne seront pas soutenues par un large éventail d'analyses de contexte social ou politique comme on en voit parfois dans de savantes dissertations. Je ne suis pas non plus psychanalyste; on ne va donc pas analyser en profondeur la personnalité des comiques et essayer «d'expliquer» ou «d'interpréter».

Je pense que plutôt que de se lancer en grand spécialiste qui analyse (inter)minablement sans se prononcer, il est plus intéressant de rester dans le généralisme et que cela serve à quelque chose. À défaut d'être savant, donc, on comprendra; ce n'est déjà pas si mal. Ce que je vous propose est peut-être plus humble, mais peut-être aussi plus intéressant : je vais essayer de vous faire vivre mes chroniques. Pour ce faire, je vais décrire mes sujets avec un peu de contexte (car je pousse en sol québécois), un peu de psychologie (car j'observe, j'écoute et je comprends), quelques citations (comme si on y était) et - bien entendu - des opinions (pour donner un sens à tout le reste).

Je vous souhaite donc une bonne lecture.

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J'ai récemment eu l'inhonneur de connaître Frank Dubosc en tant qu'humoriste français. Je l'ai vu à deux reprises au cours de décembre 2002. Dans un cas, il co-animait un gala Juste pour rire et, dans l'autre, il se produisait dans un numéro régulier. Je crois avoir un échantillon suffisant, quoique modeste, pour baser mon opinion. Surtout que - premier constat - l'humour de Frank Dubosc semble très pauvre en variabilité, en tout cas celui qu'il présente au Québec (peut-être par souci d’adaptation, je ne sais pas). Statistiquement parlant, quand on observe peu de variabilité, il est possible de faire des inférences «sûres» à partir de petits échantillons. Justement, c'est l'exercice auquel je propose de me livrer. Vous pourrez voir si les conclusions peuvent être généralisées... ou pas.

Deuxièmement, il est arrogant. Durant tout le temps qu'il est sur scène, il rabaisse son public comme s'il était composé de vulgaires barbares que le grand seigneur grâcie de sa présence. Il débute en posant des déclarations vantardes et excessives, puis s’offusque - voire réprime - des réactions de l’auditoire en faisant des remarques du genre : «Mais voyons, sur quels gens suis-je tombé ?» ou encore «Vous ne connaissez pas cela ?». La relation qu’il entretient avec son public m’apparaît en ce sens fragile et ambivalente. Un ou deux de ces commentaires auraient pu être bien placés et donner un effet subtil; d’ailleurs, des comiques québécois-es font régulièrement cela, avec de bons (e.g. Yvon Deschamps) et moins bons (e.g. Peter McLeod) résultats. Mais, pour la durée d'un numéro entier, on perd rapidement l'intérêt puisque le personnage devient une mauvaise caricature et on atteint immédiatement la saturation.

Troisièmement, il rayonne de suffisance. Il en a vues, des choses, il sait tout, il peut parler de ce qu'il veut et devenir l'expert en toute matière, et comme si ce n’était pas encore assez, il veut nous en montrer. «Ben oui, c’est ça Frank, c’est beau, on t’a vu, va te coucher», se dit le-a Québécois-e moyen-ne. En fait, c’est plus agaçant que drôle, car l’humour Dubosc a pour caractéristique de multiplier les efforts de contenant, mais pas de contenu. On note une tonne d’attitudes théâtrales (quand même bien menées) pour une pelletée de sable de texte habilement réfléchi.

Quatrièmement, ses allusions constantes à la sexualité et à sa supérieure phallicité viennent confirmer qu'on a affaire à un (supposé) mâle dominant. Sauf que de la manière dont il bâtit son discours, on peut difficilement y croire parce qu’il en met trop; comme on dit, «il beurre ben épais». Il n’est pas crédible, contrairement à d’autres qui utilisent aussi le type du mâle dominant pour faire rire (ce qui peut être ou ne pas être drôle, mais là n’est pas la question, en fait, je vous livre un scoop : non, ce n'est pas drôle). Plusieurs comiques québécois se servent aussi de ce rôle afin de traiter des relations hommes-femmes, dont bien des humoristes ad populum de dernière génération n’étant pas toujours bons (e.g. Martin Matte, Sylvain Laroque).

Autre impression sur Dubosc : il pratique une forme d'humour centrée sur lui : l'humour dont il est le héros. Ceci consiste à créer (et étendre au maximum) un récit, un espace sur scène ou un univers qu'il contrôle afin de se mettre en valeur car, comme tout bon dominant, les règles, c’est lui qui les formule. Par exemple, dans un numéro il raconte étape par étape comment, au cours de ses vacances, il sauva héroïquement une mannequin américaine (ah non, pas ENCORE la fascination indue amour-haine des Français-e-s envers les Américains-e-s).

Ou encore, comme animateur, il est obsédé par la nécessité de rabaisser ses co-animateurs, de les castrer symboliquement. Tout le concept du gala Juste pour rire qu’il a co-animé était fondé là-dessus, c’est dire si c’est révélateur. Évidemment, nous, on s’en fiche. Cependant, pour lui, cela semble revêtir une grande importance. Il se sert ainsi de sa position d'animateur ou d'humoriste pour en quelque sorte se mettre en valeur, lui et ses principales qualités, soient : son arrogance et sa suffisance.

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Pour masquer ce haut-plancher et ajouter encore plus d’éclat, Gerra passe des commentaires ou, plus largement, pose des gestes révélateurs. Dit autrement, il alterne constamment entre l’imitation et l’opinion. Ainsi, chaque imitation est ponctuée d’un commentaire-express © Gerra. De la même manière, on comprend très bien qu’il veut dire, implicitement : «Cabrel se ramène tout le temps avec les mêmes thèmes». Vu ce qui a été expliqué au paragraphe précédent, on pourrait avoir l’impression que le message est beaucoup plus le centre d’attraction que l’imitation. Il relaye cette dernière au second plan et elle ne devient qu’un prétexte aux messages. En fait, cette déclaration vient d’une observation que j’ai faite, qui est que les gens rient et semblent apprécier bien plus ses commentaires que ses imitations. C’est une réaction des publics névrosés, mais passons.

À mon sens, cette supposée méchanceté s’avère d’une finesse douteuse. La vulgarité, la provocation gratuite, les attaques ad hominem et les blagues grasses ne provoquent que des indigestions de «drôlitude» (néol.) puisque l’humour s’apprécie dans sa finesse. Considérant que Laurent Gerra commet deux infractions sus-citées, (1) la provocation gratuite et (2) les attaques ad hominem, il n’est logiquement pas drôle -- et ce n'est pas parce qu'on rit que c'est drôle (© CROC, 1979-2001). De plus, puisque ces interventions constituent le fondement de l’humour-imitation de Laurent Gerra, il n’est absolument pas drôle, peu importent les réactions du public.

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Deschamps a également été animateur plusieurs années pour le Festival Juste pour rire. En plus de ses talents en animation, il nous a parfois refait un de ses monologues célèbres ou encore un de ses plus récents. Il a continué d'écrire et faisait, encore en 2002, des apparitions. C'est plus ou moins toujours la même formule : un monologue avec un personnage qui réfléchit sur son époque. À la longue, on peut finir par se lasser de ce type d'humour; pendant tout un spectacle, cela peut devenir lourd. Le spectateur voudrait rire davantage.

Il est arrivé à Yvon Deschamps d'être passablement mauvais aussi, dans une télédiffusion nommée CTYvon. Il s'agissait d'une sorte d'émission dont le contexte était un plateau de tournage d'un studio de télévision. Plusieurs sketches se succédaient, sans grand talent, peu intégrés. Pourtant, il y avait de bons-ne-s humoristes, mais cela n'a tout simplement pas fonctionné : l'humour était simple, léger, maladroit... On s'attendait à un calibre plus élevé de la part de comédiens-ne-s aussi solides. Si cela avait été produit vers 2002 plutôt que 1992, on aurait probablement observé plus de succès compte tenu de ce qui se fait présentement au Québec.

Un moment où j'ai trouvé cet humoriste particulièrement fort était lors du spectacle Parlementeries. Il s'agit d'un rassemblement de très bon-ne-s humoristes qui, le temps d'un spectacle, simulent une sorte d'Assemblée nationale et des débats. Ceci a l'avantage d'être un condensé du meilleur de chacun-e, ce qui ne laisse pas beaucoup de place aux longueurs. Il y a eu 3 spectacles dans cette série. Dans le premier, Yvon Deschamps est un chef de parti, nommé Marcel Leduc. Dans un autre, il revient comme ancien Premier ministre déchu, habillé en clochard et quêtant «un p'tit 25 cennes» aux député-e-s. Tous-tes refusent seulement même de le regarder (même ceux de son ex-parti... quelle symbolique !), mais il prend le micro quelques instants. Il explique que, dans le contexte d'un référendum sur la souveraineté du Québec, les territoires qui désirent devenir souverains devraient pouvoir le faire et que les autres resteraient au Canada, et qu'on devrait diviser ainsi les comptés, les villes et même les rues... Le Premier ministre lui dit alors d'arrêter, qu'il délire, mais il termine en répliquant :

«Peut-être, mais moi au moins, je suis saoûl !».

La question est : Yvon Deschamps est-il drôle ? Il est nécessaire, je crois, d'exemplifier par quelques cas de figure avant de prendre position. Dans un de ses premiers monologues à succès, «Les Unions qu'osse ça donne ?», Deschamps joue un prolétaire un peu nigaud et inconscient de sa condition. Il explique que :

«Mon père l'a toujours dit, ce qu'il faut dans la vie, c'est un bon boss et une job steady».

Il utilise sensiblement la même tactique dans un autre monologue. Cette fois, il nous annonce qu’il vient de perdre sa femme mais que ce n’est pas très grave, parce qu’elle était moche, peu serviable et qu’il s’était marié avec elle pas mal par défaut. Car à l’époque, c’était tout un séducteur, il aurait pu en avoir une autre mais, par concours de circonstances... c’est bien sûr elle qui s’était attachée et l’avait piégé, pauvre de lui. Plus le monologue avance, plus il laisse le masque d’homme viril invincible tomber pour faire apparaître un pauvre type complètement à terre et très angoissé de devoir faire face à l’avenir tout seul. Ceci est entrecoupé de plusieurs blagues légères qui contrastent avec le thème initial du monologue, plutôt terne (dans le sens de «triste», pas de «ennuyeux»).

Tel qu'énoncé plus haut, une des techniques favorites des Deschamps est de faire prendre une position par son personnage en ouvrant une parenthèse pendant son monologue. Il va ensuite montrer l'absurdité de cette position en montrant les faiblesses du discours et des croyances que les gens ont. Deschamps parle ainsi de la solitude, de la mondialisation, de la société de consommation, de la famille, de l'immigration... Contrairement à plusieurs comiques français-es «engagés-es» (du type Guy Bedos, à ce que j'ai cru comprendre), Deschamps ne sombre jamais dans le populisme : il ne veut pas un appui politique, il ne milite pas ouvertement. Il a ses opinions, passe ses messages, mais demeure un humoriste. Il ne va pas essayer de se choquer à outrance, théâtralement, et de se scandaliser pour attirer l'attention. Il ne s'abaissera pas non plus à ressortir de vieux conflits qui alimentent les passions - à défaut d'avoir du talent, certain-e-s seront démagogues. Deschamps est donc fort habile; il sait jusqu'où aller.

Il prend aussi plaisir à interagir avec le public et même à le faire réagir. Dans un autre monologue, il parle de son enfance. Il dit :

«Chez moi, y'a juste ma mère qui ne travaillait pas... (réactions de la foule) ...elle avait trop d'OUVRAGE. J'aurais bien aimé vous voir à sa place !».

Considérant son apport considérable à l'humour, sa grande production artistique, sa valeur de pionnier et son style unique, Yvon Deschamps, à défaut d'être toujours drôle, est certainement distrayant, appréciable et, surtout, hautement respectable.

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Ding et Dong jouent aussi dans un film faussement autobiographique qui n'obtient toutefois que peu de succès, leur style se prêtant beaucoup plus à une série de courtes mises en scène qu'à une histoire soutenue. Dans ce film, cette force devient leur faiblesse. Ainsi, si l'histoire du film suit une sorte de fil directeur improbable, elle ressemble vraiment à une juxtaposition de sketchs (largement inspirés de tout ce qu'ils ont fait auparavant, mais avec quelques éléments nouveaux), parfois bien réussis. Le problème ne vient pas de chacune de ces parties, mais bien de la composition, de l'ensemble, qui est parfois maladroite et contient certes plusieurs longueurs.

Enfin, Ding et Dong, cette fois-ci dans le rôle de Môman et Pôpa, créèrent un véritable phénomène culturel dans les années 1990 avec leur téléroman La Petite Vie, qui raconte les déboires d'une famille assez spéciale. L'intrigue, habituellement bâtie à partir d'une situation quotidienne qui tourne au ridicule, gravite autour de Môman et Pôpa. Il s'agit d'un couple de personnes âgées qui interagit avec ses enfants et d'autres personnages satellites, tous-tes de profond-e-s névrosé-e-s typés à l'excès (p.ex. Réjean le chômeur paresseux et profiteur, Rénald le gérant de caisse obsédé par les dépenses). Encore une fois, le jeu des acteur-trice-s est fort (notamment celui de Marc Labrèche mais, dans l'ensemble, tout le monde est très bon).

L'équivocation se produit lorsque un mot ou une expression est vague et, donc, peut avoir plusieurs sens (cf. discours politiques). L'humour Thériault-Meunier capitalise à fond sur ce procédé en créant de fausses associations à partir de mots qui ont plusieurs sens ou consonances, ou en faisant, par la feinte d'une profonde ignorance, des références culturelles inappropriées (p.ex. parlant de la culture française, confondre Renaud et Renault). Ensuite, quelques gags bien envoyés extrapolent à l'absurde, les personnages ne se rendant définitivement pas compte de la glissade qu'ils ont eux-mêmes créée. L'utilisation du sens des mots, par l'équivocation, en vient éventuellement à ne plus avoir aucun rapport avec l'intrigue originale du numéro, tandis que les personnages continuent allègrement à développer sur quelque chose qui ne signifie plus rien (p.ex. un dialogue par personne interposée sur ce qu'ils souhaitent manger commence avec une idée de sandwich aux tomates et se termine, plusieurs répliques plus tard, par «un sandwich aux tomates sans tomates, mais avec de la sauce et du spaghetti»).

Le coeur de l'humour Thériault-Meunier repose sur la déroute ou, si vous préférez, la genèse de confusion. Typiquement, entre autres à l'aide de l'équivocation, et aussi du rythme (cf. ci-bas), ils vont commencer à parler de choses extrêmement banales en citant des évidences, en répétant deux fois la même chose en des mots différents (p.ex. «Il aime sa femme, mais à chaque fois qu'il veut lui dire qu'il l'aime, il change d'idée»; «Cela a l'air que tu es là !» / «Cela à l'air, oui !»). Partant de là, ils créent une sorte de contexte dans lequel l'auditeur-trice se construit des attentes. Aussitôt que cela se matérialise, ils brisent le rythme en emmenant l'auditeur-trice dans quelque chose de complètement différent. Ainsi, une explication présentée comme introduction à un sketch s'éternise et devient le sketch lui-même : l'explication tombe rapidement dans l'infiniment complexe à cause de l'absence de clarté et la quantité de mots utilisée, les personnages présentant tous les détails les plus insignifiants d'une situation qui, à la base, est fort simple (p.ex. un changement à l'horaire). Au passage, la confusion s'accentue par la création d'incohérences, p.ex. lorsque les explications, décrites par les humoristes comme étant tout à fait intelligibles, sont dans les faits mutuellement exclusives.

Enfin, lorsqu'ils entrent en scène, on ne s'ennuie pas. Leur style rapide, dense, est une véritable succession de gags, tant verbaux que visuels. L'auditeur-trice devient rapidement captif de l'univers créé par les deux humoristes. Les mimiques, la gesticulation, l'agitation motrice (Meunier a ce tic moteur dans lequel il passe son temps à mettre la main à ses lunettes, mais il a d'autres compulsions aussi, dont son étrange habitude de faire des faces béates quand l'auditoire rit de ses blagues), les émotions excessives et théâtrales se communiquent à l'auditoire dans une tempête de mots. Dans toute la tourmente, le rythme est sans cesse brisé, recomposé : la pertinence (p.ex. le sketch lui-même, qui est très animé) et l'impertinence (p.ex. des commentaires désobligeants et blasés sur le public) se succèdent au gré des particularités langagières, des néologismes, des associations libres et des improvisations-surprise.

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L’humour ad populum est né pendant les années 80. Cette période se caractérise par plusieurs faits culturellement médiocres. Bref, les années 80, c’est moche au plan culturel. Même la mode est laide : tout est voyant, exubérant, métallique ou de cuir, avec des coupes de cheveux excentriques. On a trop poussé ce qui fonctionnait dans les années 70 (i.e. l’originalité), de sorte qu’on se retrouve infiniment blasé : trop, c’est seulement ridicule.

Historiquement, plusieurs faits sociaux inintéressants marquent les années 80 au Québec. De manière générale, c’est l’alourdissement. Le Parti Québécois ne réussit pas à faire passer son projet de souveraineté au référendum. Il devient un parti politique comme les autres alors qu’on croyait avoir une véritable alternative de gauche réformiste. Les projets de la «Révolution tranquille» des années 60 et 70 pour avoir un état interventionniste commencent à s’essouffler. Les mouvements sociaux (étudiant, syndical, souverainiste) s’institutionnalisent et le gouvernement se bureaucratise. Plusieurs crises économiques frappent successivement le Québec. Encore là, on s’enferme dans les solutions (idéologiques) qui fonctionnaient dans les années 70 mais qui ne sont plus adaptées à la réalité changeante des années 80.

Tout ceci jette le peuple québécois dans une sorte de cynisme, de malaise social, de perte de confiance. La fête est terminée, on range ses idéaux et on s’engonce dans la lourdeur et la routine, parce que la jeunesse des années 70 commence à prendre tous les postes de pouvoir. Ce contexte permettra à l’humour ad populum d’émerger; il commencera à dominer les approches humoristiques du Québec vers 1985 et ce, jusqu’à nos jours.

Avant de continuer, il est nécessaire, je crois, de définir plus précisément l’humour ad populum. Je ne le ferai pas académiquement, mais je pense que vous saisirez aisément en quoi cela consiste si vous faites preuve d’un minimum d’esprit. Donc, définissons. L’humour ad populum repose sur le principe suivant : rire d’à peu près toutes les réalités sociales actuelles, les stéréotypes, ce qui traîne dans l’ère du temps. C’est une forme d’humour très vicariante : on rit des autres. On rit du voisin maladroit, de la belle-famille, des relations hommes-femmes, des politicien-ne-s, des policier-ère-s, on parle de voitures et de sport. Ce type d’humour ne vise pas la réflexion, au contraire : il est aliénant dans ce qu’il s’abreuve, maintient et confirme ce que tout le monde pense (si tout le monde le pense, alors c’est nécessairement vrai). Alors que des individus comme Yvon Deschamps vont utiliser les Vérités sociales pour (tenter de les faire) remettre en question, déstabiliser, ébranler les dogmes, les humoristes ad populum s’efforcent de maintenir ces Vérités. Ils-elles se complaisent névrotiquement dans le : «c’est médiocre, et on aime cela». C’est en quelque sorte l’édification en idéal de l’aurea mediocritas.

La technique derrière l'humour ad populum est fort simple. Prenez n’importe lequel «débat» social, dichotomisez-le au maximum et simplifiez-le à capacité pour être bien certain que tout le monde, intuitivement et sans exception, se reconnaîtra dans votre catégorisation. Le fait qu’elle soit fidèle ou non à la réalité objective importe peu. Là, il vous faut élaborer sur le problème en question et le bien caricaturer. Le but n’est pas de se pencher philosophiquement sur la chose, de redéfinir quoi que ce soit ou d’apporter un élément nouveau. Il ne faut surtout pas sortir des sentiers battus. On grossit la réalité, on en fait une distorsion et lorsqu’elle éclate à force d’appuyer dessus, c’est drôle – théoriquement.

L’humour ad populum, en soi, n’est pas très drôle et fait preuve d’un manque d’originalité outrageant. Généralement, l’appel à l’imaginaire de cette forme d’humour demeure très pauvre, tout comme sa mise en scène d’ailleurs. Ceci constitue une des raisons pour son manque d’esprit et de réel effet pissamment (dans le sens de pisser) drôle. On peut même dire que c’est un humour minimaliste au mauvais sens de l’expression : il n’utilise qu’une seule partie de tous les canaux de communication, qu’une seule partie des thèmes possibles et qu’une petite partie de leur potentiel. Il ignore les raffinements et subtilités.

La nature de la technique ad populum possède aussi quelque chose d’égocentrique : l’humoriste se trouve le centre d’attention et il fait trop souvent partie intégrante de ce qu’il raconte. Écoutez-le, écoutez-la : il-elle est important-e. Il-elle a quelque chose à nous dire, et apparemment cela devrait être drôle. Il-elle représente un modèle (douteux). Or, malgré une technique rodée, encadrée, qui apprivoise et domestique les ardeurs créatrices de la très fondamentale pulsion humoristique, les comiques qui s’y prêtent ne sont pas les plus populaires et ne laissent pas leur marque parmi les grands-es.

Il y a bien sûr de puissantes figures dans l’humour ad populum, mais elles ne restent pas. Elles ont leur heure de gloire, mais on passe rapidement au suivant ou à la suivante qui nous présente plus ou moins la même chose. C’est de l’humour en série fait sur la chaîne de montage, c’est l’auto-service en matière de bouffonnerie. L’arriviste fraîchement débarqué de l’École nationale de l’humour se laisse tenter par sa facilité. Ceci appuie (par la négative) la position selon laquelle l’humour ne doit pas être standardisé mais plutôt laissé à lui-même, comme une discipline artistique qui évolue au gré des intuitions et de la créativité anarchiques plutôt qu’un métier encadré par des règles économiques ou légales. Or, dans l’humour ad populum, il y a un plan de mise en marché pour un produit : cette forme de drôlerie vit par sa quantité et non sa qualité. Au mieux, c’est divertissant. Au pire, c’est d’une indignante prévisibilité. En conséquence, plusieurs humoristes qui évoluent en parallèle à ce courant (p.ex. Pierre Légaré; Daniel Lemire) obtiennent infiniment plus de succès et d’admiration que ceux et celles qui pratiquent le rude et brut humour ad populum.

Là où l’humour ad populum devient intéressant, c’est quand on rencontre un individu talentueux qui sait y ajouter un traitement original. Il est certain que les thèmes ne changent pas et s’encrassent dans le déjà vu, la facilité : c’est le reflet de la vie de tous-tes et chacun-e, redondante et banale. Cependant, la manière de développer ces thèmes peut rendre le tout spécial, voire peut-être même drôle, à la limite et dans certains cas seulement.

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Cependant, il adoptera ce style bien après sa fondation, bien après l’instauration de sa dominance paradigmatique sur la scène québécoise. Cette situation apparaît certainement paradoxale au lecteur ou à la lectrice dont les facultés de logique approchent la normale. D’une certaine manière, on pourrait dire que Barrette est le concepteur du pont entre deux générations d’humoristes, entre deux styles de comiques, comme les années 1980 l’ont été pour beaucoup de choses. Après avoir assuré cette transition, il laissera aux autres le soin de construire le pont et reviendra le traverser quelques années plus tard.

Hiha est une sorte d’icône culturelle, de personnage historique, de caricature ambulante. Avec ses exagérations, son maniérisme et ses cris stridents d’excitation lancés à tous vents («Hiya! Hiya !»), il fait rire : on sait qu’il n’existe pas, mais on reconnaît en lui nos aïeux et leurs traditions. Je n’ai malheureusement pas de photos d’Hiha. En gros, il s’agit d’un type édenté, sans dentier, qui porte de grosses lunettes et un vieux chapeau de cuir. Ressemblant vaguement à un bicorne, ce couvre-chef arbore de multiples macarons (insignes). L’histoire nous dira que l’idée de ce personnage est basée sur son grand-père... et tournera au tragi-comique quand on apprendra quelques années plus tard que celui-ci était un ivrogne violent et assez peu recommandable.

«C’est le temps d’une dinde, dinde, dinde, swing’ la bacaisse dans’l’fond d’la boîte à bois !»

À un moment donné, Barrette comprend que d’être associé à un tel personnage le limite beaucoup. Il va donc tenter de s’en défaire – et il réussira remarquablement bien (la preuve : tout ce que j’ai trouvé comme image d’Hiha après des recherches peu fructueuses sur le web est une caricature faite par l’excellent bédéiste québécois Serge Gaboury, qui en a même fait un de ses personnages). C’est alors qu’il jouera à la télévision – devenant un des premiers humoristes carriéristes – et que son style évoluera tranquillement vers l’ad populum. On peut même dire que Barrette évolue parallèlement à ce style d’humour, comme s’il lui était lié par un quelconque phénomène de l’inconscient collectif.

En quoi, me demanderez-vous alors, en quoi le personnage d’Hiha constitue-t-il une transition entre l’humour de la fin des années 1970 et celui des années 1990 ? Si Barrette s’inscrit dans l’ad populum aussi tardivement, en quoi il en est le précurseur ? Si nous retournons à notre définition de l’humour ad populum, on note qu’il s’agit de rire des stéréotypes et de tout ce qui tourne autour de l’esprit du temps. Au début des années 1980, il faut se rappeler que la grande majorité de la population québécoise a connu à la fois le style de vie traditionnel et la vie moderne, qui date seulement du milieu des années 1960 (p.ex. système de santé laïque, réseau d’instruction public gratuit jusqu’à la fin de l’école secondaire). Avec le personnage de Hiha, Barrette vient donc nous rappeler l’esprit familial traditionnel (rural) typique bien connu de nombreux-ses représentant-e-s de la génération des baby-boomers (les gens qui ont environ 50 ans en 2000). Cette cohorte qui, rappelons-le, occupe les postes de pouvoir dans la société québécoise, regarde d'un oeil critique, mais respectueux, les valeurs d’il-n’y-a-pas-si-longtemps, celles de ses parents, de son enfance.

De cette manière, Barrette ouvre la porte à un nouveau style : autrement dit, il en est le précurseur. Alors qu’il pratique une forme d’humour ad populum-rétro et peu définie via Hiha, les jeunes humoristes vont commencer à se pencher sur les thèmes contemporains, ceux de leur génération d’appartenance. Ils le feront à la sauce ad populum moderne, un peu comme Hiha le fait pour la génération précédente, mais en moins théâtral, moins «personnage». Par ailleurs, ces comiques vont garder de Barrette la caricature (bien qu’amoindrie), l’exagération des stéréotypes, et la légèreté du contenu. Il y intégreront bien sûr un nouveau standard venu des États-Unis : le stand-up comic, qui constitue la mise en scène par excellence, voire même l’indispensable, pour cette forme de drôlerie. C’est pourquoi Barrette commencera, vers la fin des années 1980, à ressembler de plus en plus aux autres humoristes ad populum. Il nous parlera donc d’épisodes de sa jeunesse, de sa famille, des voitures («les chars», un de ses thèmes favoris).

Aux Parlementeries, Barrette incarne un quelconque ministre des routes et propose :

« (...) d’agrandir le circuit Gilles-Villeneuve [par les autoroutes principales de Montréal] pour que les gars du coin puissent s’essayer contre [les pilotes de F1]».

« (...) déguiser le baloney en dinde pour la veillée de Noël».

« (...) ma soeur est venue bleue, mon père la shakait à l’envers par les pieds et quand le coup de Minuit a sonné, ma soeur a dégueulé le petit Jésus dans l’arbre de Noël...».

«C’est sûr que quand on rencontre du monde, ils nous disent tout le temps qu’ils vont en vacances ailleurs qu’à Old Orchard, parce que Old Orchard, c’est kétaine. Quand on demande, “Où est-ce que vous allez en vacances, vous autres ?”, ils répondent le nom d’une autre place, hein : “Non, non, on va pas à Old Orchard, nous autres ! On va à Ogunquit”. Sauf qu’une fois rendu là, laisse faire Ogunquit, envoye à Old Orchard !!! (...) À Old Orchard, sur [telle rue], il y a une pizzeria. Pour à peu près 50 cennes US, on peut avoir une pointe de pizza, des frites et un Coke. En dollars canadiens, c’est à peu près 10-12$, dépendamment du taux de change...».

Barrette, donc, annonce historiquement l’arrivée de l’humour ad populum par son style, les thématiques qu’il aborde et la manière de les rendre. Il se fait ensuite oublier quelques années, retourne en coulisses. Il fait autre chose, écrit des textes, fait des tournées de spectacles, devient comédien à la télévision. Il est présent sur la scène humoristique à quelques occasions, mais ce n'est pas très significatif. Bon, il est là, c’est bien, on s’y attendait, rien de nouveau; c’est Michel Barrette, oui oui, et d’autres humoristes attirent plus l’attention que lui à ce moment-là, il est partiellement dans l’ombre.

Cependant, il reviendra naturellement rejoindre les rangs de ceux qui sont en pleine ascension quelques années plus tard sous sa forme moderne, après une évolution latente, comme on applique une opération de reconstruction-recyclage sur un vieux bolide dans le garage de son oncle : bien revigoré, poli, repeint, avec changement d’huile, débosselé et avec des vitres teintées – c’est dire si on a droit à une aubaine – le «char» Barrette nous revient en full-fledged state-of-the art ad populum. Pour cette raison – ainsi que quelques autres – la fondation officielle de l’humour ad populum, qui s'est faite entre-temps, relève selon moi d’un autre humoriste : Jean-Mac Parent.

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Vers 1985, quand il débute par les premières apparitions qui constitueront son baptême d’humoriste, c’est un type de la fin vingtaine, qui porte une barbe et une moustache, et qui se promène constamment en culottes de jogging ainsi qu’avec un quelconque t-shirt de l’avant-dernière mode. On est à l’aise, comme un mercredi soir dans son salon. C’est un type bien simple, peu intimidant, avec qui on irait bien prendre une bière sur une terrasse et jaser de l’actualité sportive (bien, allez-y, c’est à vous que je m’adresse; moi, je ne suis pas tellement intéressé, en fait, je ne suis pas de ce style-là). Quand il se trouve sur scène, on dirait qu’on est en gang avec des chums : c’est intime. En d’autres termes, Parent possède de grandes capacités relationnelles avec le public. En symbiose avec les années 80, on reconnaît le gars d’à côté, bien oui, tu sais, là, on a joué une game de hockey ensemble cet hiver avec le monde de la brasserie et de la shop, et regarde, il tond la pelouse, oui, c’est bien lui, le type qui sue dans son chandail à capuchon et ses culottes de jog..., euh non, tiens, cette fois-ci ce sont des shorts de jogging.

Au début, Jean-Marc Parent n’est pas encore l’ingénieur qui met en oeuvre les plans de l’humour ad populum trouvés par hasard dans le garage ou la cour à scrap de Barrette. On le reconnaît comme un petit humoriste (malgré son physique – ah ah ah, je fais dans l’ad hominem bien facile ici, n’allez pas croire que je suis sincère), un jeune qui promet mais dont le destin fragile vivote. C’est pourquoi Jean-Marc (let’s go Jean-Marc, t’es capable) y va à fond, tant qu’à y aller : ses apparitions sont audacieuses. Parent n’est donc pas a priori un ingénieur de l’humour, c’est d’abord un expérimentateur sans vision qui s’adapte selon un schème essais et erreurs.

«L’autre soir, je suis sorti avec mes amis – 3 beaux grands gars. Quand on est entrés au bar, devinez qui les filles ont vu en premier ?»

«J’arrive au comptoir à côté d’une fille, je lui marche sur les pieds avec ma marchette, je renverse son verre... elle s’est excusée.»

«Je vais à l’urinoire, j’ai de la misère à me déculotter, finalement, j’y arrive, je viens pour pisser... (grands gestes de haut en bas avec la main), tabarouette, je suis venu !»

«Quand on est à l’hôpital, on rencontre toujours quelqu’un qu’on connaît. J’allais pour une opération, là ils t’habillent dans une espèce de robe en papier et tu es plus nu là-dedans que si tu étais vraiment nu. Là je rencontre quelqu’un que je connais, qui est là aussi, dans la même tenue. “Ah, oui, cela va bien, et toi ?” “Ah, oui, oui, tu viens pour une opération aussi ?” “Oui. Fait que, c’est cela, oui, bon, salut”. Là, on hésite, parce que le premier des deux qui se retourne, l’autre lui regarde le cul.»

«Des fois, des étudiants viennent me voir pour m’étudier et ils se rendent compte que je suis bandé. Ils ne comprennent pas comment cela se fait que quelqu’un dans le coma peut être excité. Bien, je vais vous dire, s’ils savaient à quoi je pensais, ils le seraient aussi.»

Au départ, son humour ne nous convainc pas énormément malgré d’assez bons moments. En général, on se trouve dans les bas étages de haut niveau : c’est de l’humour du quotidien, mais bien fait et qui arrive parfois à en dépasser les limites. Ce n’est pas toujours le cas; agrémentons le texte d’un exemple, encore tiré du numéro de l’hôpital :

«Quand on passe des radiographies, ils nous font porter une espèce de jaquette en papier. Là, tu te couches sur la plaque frette, ahhhhhhh ! Un peu plus tard, le médecin arrive avec un espèce de gros tablier de plomb. “Pourquoi le tablier de plomb ?” “Ah c’est à cause des radiations, c’est très dangereux”. “Ah, comme ça, les jaquettes de papier, yes sir !!!»

Cette drôlerie frappe les gens par déroute, par surprise, ou encore ceux qui ont la dégaine du rire facile et les adeptes du qu’importe-pourvu-qu’on-en-ait-pour-notre-argent, allez, démènes-toi, en avant, et plaudite, cives ! Toutefois, l’audace est au rendez-vous, quand même : nous sommes en 1985 et on nous livre un premier degré puissant qui, s’il laisse tièdes les plus discriminant-e-s d’entre nous, perce parfois la résistance de la stratosphère du second degré.

Jean-Marc Parent réussit, par ses courtes apparition, à nous transmettre un concentré en rupture compétitive avec les autres formes d’humour d’alors. Ses premiers semi-succès, qui s’expliquent plus par l’effet de surprise que le talent, l’aident à définir et améliorer son style. Parent travaille fort, s’adapte, tente de trouver de nouveaux concepts à explorer. Son évolution se dirigera vers quelque chose de plus en plus stand-up comic. Notez l’omniprésence du style stand-up comic et des thèmes «personne ordinaire». Par exemple, dans un autre extrait de son humour sur l’hôpital :

«Au début, tu es assis dans la grande salle d’attente. Là, après 15-20 minutes, ils t’appellent et tu te ramasses dans une espèce de petite salle capitonnée, fermée et tu es seul. Là, t’attends [longtemps].»

Synthétiquement : Parent affine son style, l’ad populum qui lui est étroitement lié se définit et s’impose, et les humoristes de cette approche deviennent plus nombreux. Tout ceci au Québec, entre 1985 et environ 1993.

Ce contexte se traduit entièrement dans un spectacle à valeur historique pour l’humour (du moins, dans notre discussion) : Le Marathon de 6h d’improvisation de Jean-Marc Parent. L’humoriste joue, encore une fois – et seul – le tout pour le tout. En gros, cette représentation se base sur quelques thèmes prédéfinis, avec des réflexions générales sans textes appris, et Jean-Marc Parent improvise le reste. Le défi : tout doit être drôle sur une durée de 6h. La salle est comble, nous sommes dans un amphithéâtre vaste (le Forum de Montréal, si ma mémoire est exacte) et populeux en spectateur-trice-s, l’événement est médiatisé, filmé et couvert : il ne faut pas échouer. Les embûches sont nombreuses : la fatigue du public, la lourdeur du concept, c’est de l’endurance totale autant pour le type en avant que pour ceux et celles qui regardent.

Quelques extraits doivent commémorer cette réussite, car c’en fut une. J’ai d’abord choisi des extraits qui se rapportent à l’exemple du paralysé cérébral, parce que j’en ai parlé en tête de texte, mais ne vous méprenez pas : il fait bien d’autres choses aussi, dans ce 6h-là (évidemment).

«Là, je vais vous raconter ce que j’ai fait, une fois. Je suis allé m’installer au coin de la rue. À l’époque, je commençais, je n’étais pas connu. Je me suis assis sur un banc et j’ai pris une sorte de pot avec des crayons, des effaces, des affaires de même. Là, j’ai commencé à imiter le paralysé cérébral, comme j’ai fait tantôt. Un type est arrivé, innocemment, il voulait bien faire. Il me demande : “Combien pour les crayons ?”. (Il arrive souvent que des gens handicapés vendent ce genre de choses pour une quelconque levée de fonds). J’ai répondu : “Ils sont pas à vendre, sont à moi !” Le gars était là, avec son 2$... complètement bouché, il n’y avait plus rien dans le visage.»

«La première fois que je devais faire mon sketch sur les paralysés cérébraux, je devais rencontrer quelqu’un qui était en charge du spectacle. Je vais dans son bureau, j’entre, je m’asseois... et je me rends compte que c’est un paralysé cérébral. Il me dit : “Envoye ! Fais-le ton show !”. Je n’étais pas encore connu, j’étais débutant et c’était ma première, je ne savais absolument plus quoi faire ! Je me suis dit : “Bien, il le fait, lui, alors pourquoi pas moi ?”. J’ai commencé, et il a trouvé ça bien drôle, il m’a même conseillé d’aller plus loin !».

«Hé, c’est le fun. Gagez-vous qu’il est assez nul pour me filmer ? (...) Je vous l’avais dit. Bon, je vais arrêter, sinon je vais finir par la briser. (...) Hé, pourquoi tu me donnes un micro ? Il marche, celui que j’ai. Bon.»

Ah, les années 80. C’est poche, kétaine. Un sketch de Parent, c’est de l’audace; un spectacle, c’est comme une masse, i.e. lourd.

D’un point de vue plus sociétal, l’idéologie d’utopie et de contestation des années 70 se substitue à l’intuitive du peuple, le «gros bon sens» néolibéral vers 1985 qu’on finira par glorifier incontestablement à partir des années 90. L’humour suit exactement la même voie par l’ad populum, d’abord par les efforts de Jean-Marc Parent et ensuite par d’autres... bien d’autres.

L’expérimental perd de sa valeur quand on dispose d’un appliqué puissant, fonctionnel et payant. C’est la mentalité de l’ingénieur-e. Jean-Marc Parent, déjà très connu et respecté comme humoriste avant son spectacle tournant, sera le centre d’attention médiatique quelques instants. Puis, il continuera avec d’autres spectacles plus conventionnels. Il apparaîtra publiquement à plusieurs reprises pendant quelques autres années. Puis, après 1995, il fera surtout de la télévision. Il disparaîtra lentement de la scène humoristique pour jouer un rôle d’animateur qui, somme toutes, lui convient bien. Je dirais même : qui lui convient mieux. Jean-Marc Parent, c’est un entertainer, un bouffon de fête, un conteur, mais pas un grand humoriste. Il ne changera pas beaucoup de style, continuant sur la lancée par le stand-up comic et pour l’ad populum, qui conviennent bien à l’animation d’émissions de variété. Il n’y aura plus d’innovation, plus de nouveauté, d’audace : on a construit le modèle, le modèle marche, on s’y conforme.

Bien qu’appartenant à une autre génération, d'ailleurs passablement écrasée par la classe moyenne, Jean-Marc Parent a pris sa place chez les humoristes comme les baby-boomers l’ont fait avant lui dans la société québécoise. Il a aussi pris la même attitude qu’eux une fois en poste : la paresse du devoir bien accompli qui aurait pu être plus mais que bon, dans le fond, ce n’est pas si mal, déjà, et puis je suis au sommet, je vais prendre des vacances (payées).

Aujourd’hui, Jean-Marc Parent n’existe plus beaucoup. Il ne fait plus grand-chose à part un peu de télévision, ne fait plus tellement parler de lui et soulève assez peu l’intérêt des gens. S'il fait maintenant partie de l'inconscient collectif culturel des québécois-e-s, plusieurs personnes se paient sa tête, et tous-tes s'en dissocient. Par contre, plusieurs humoristes vont suivre ou marcher dans un sillon parallèle à celui de Jean-Marc Parent et appliquer son modèle ad populum. Dans ce mouvement, on retrouvera une multitude de sans-noms et quelques-un-e-s d’entre eux et elles avec du talent, une fougue carriériste peu commune, un sens de l’innovation ou des conjonctures favorables, se démarqueront. Ce sont de ces gens dont je vous parlerai dans les prochains chapîtres, portant sur les figures marquantes de l’humour ad populum de la première vague, et des vagues successives.

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«Tout ce beau monde [Matte et d'autres jeunes humoristes] a plein de bonnes idées, il ne leur manque qu'expérience et assurance, et une direction artistique un peu plus serrée.» (Le Soleil, 22 juillet 1996).

«Depuis cinq ans, Monsieur [Martin Matte] a multiplié les citations fendantes, les remarques drôlement désobligeantes, mais surtout, il n'a jamais oublié de détailler, dans l'ordre et le désordre, toutes ses qualités et aptitudes. Fier, l'humoriste ? Le mot est faible. Il serait, à ses dires, indispensable... tout le temps !» (La Presse, 20 novembre 2003).

À partir de 2000, tout déboule : la presse journalistique devient extrêmement favorable à Martin Matte (p.ex. Le Soleil, 3 novembre 2000). Bref, c'est le début de l'ère de la grande médiatisation. Jean Beaunoyer, journaliste à La Presse, considère que «[Martin Matte] (...) est l’humoriste le plus prometteur de sa génération. Matte maîtrise la scène mieux que quiconque (...).» (La Presse, 13 octobre 2000).

Durant l'année 2000, Matte joue un rôle de second plan dans la série Km/h, un téléroman humoristique relativement bien réussi (genre sit-com américain, un style très prisé au Québec depuis quelques années... mais généralement pas drôle) (Le Soleil, 11 avril 2000). Il réussit aussi un exploit en gagnant le trophée du Supermenteur au quizz télévisé Les Détecteurs de mensonges, trompant deux autres personnalités invitées et les cent personnes du public (La Presse, 15 février 2000). Matte figure aussi comme chroniqueur financier (!) dans une émission d'humour absurde qui fait semblant d'être une émission d'information, Le Grand blond avec un show sournois de Marc Labrèche (Le Soleil, 13 septembre 2000). Il lance aussi son spectacle cette année-là, intitulé Histoires vraies (La Presse, 9 septembre 2000), qui connaît un vif succès. Maintenant que les éloges pleuvent et que tout le monde parle de lui, il devient très sollicité pour participer à des spectacles-bénéfice et des événements locaux dans toutes les régions du Québec, notamment les festivaux d'été. En plus de la tournée rattachée à son spectacle, ses multiples apparitions lui permettent de consolider son public et d'étendre encore plus sa médiatisation.

Cette explosion d'activités pour Martin Matte le mènera à quatre nominations sur huit catégories au Gala des Oliviers 2000 (Le Soleil, 13 décembre 2000) et à une nomination dans la catégorie «révélation de l'année» au Gala de l'ADISQ (l'Association québécoise de l'industrie du disque, du spectacle et de la vidéo) (La Presse, 27 octobre 2001). Cependant, il ne remportera rien du tout, la première vague des humoristes ad populum ne laissant pas encore sa place à la deuxième : Huard gagne trois Oliviers et Rousseau, deux (Le Soleil, 12 février 2001), tandis qu'Anctil est couronné humoriste de l'année (La Presse, 12 février 2001).

En 2002, Matte est en nomination au Gala des Oliviers dans la catégorie Spectacle le plus populaire (Histoires vraies) (Le Soleil, 23 janvier 2002). Cette édition du gala, qui semble n'avoir vraiment pas marqué l'histoire en termes de qualité, ne verra pas le triomphe de Matte : encore une fois, il ne gagnera pas (Le Soleil, 11 mars 2002). Malgré cette déception, l'année 2002 sera des plus chargées : Matte devient père (Le Droit, 10 août 2002), sert d'acteur publicitaire pour Honda (Le Soleil, 20 janvier 2003) et jouera un rôle de premier plan dans une adaptation québécoise de l'émission Caméra Café, réalisée par Michel Courtemanche (Le Devoir, 14 septembre 2002). Sa participation en tant que scripteur associé, mais surtout de comédien (il joue le rôle du coordonnateur et délégué syndical), continue d'accentuer son caractère ad populum d'homme-orchestre. C'est sa première apparition régulière, continue, dans une série télévisée. Aux dires de Matte, sa transition vers la télévision s'effectue trop rapidement même s'il songe définitivement à s'y établir à moyen terme (Le Soleil, 20 janvier 2003).

En 2003, Matte continue sur sa lancée, mais ce sera une année difficile au plan personnel. Il est en nomination dans deux catégories au Gala des Oliviers (La Presse Canadienne, 25 février 2003) mais ne gagnera toujours rien (La Presse, 3 mars 2003). Les ancien-ne-s humoristes ad populum et les nouveaux-elles supposé-e-s jeunes prodiges lui mettent beaucoup de pression, autant d'en-haut que d'en-bas, ce qui rend difficile la continuité de son ascension. De plus, son père mourra et il deviendra tuteur de son frère handicapé (La Tribune, 6 décembre 2003)

«Je pense qu'il n'y a aucun sujet tabou en humour. On peut tout aborder, (l'homosexualité, le racisme...) dans un sketch. Mais l'humoriste doit trouver un angle pertinent. Puis se servir du comique pour abattre les préjugés et aider la cause des plus faibles.» (Voir, 28 septembre 2000).

«(...) un procédé par lequel il [Matte] gonfle son spectacle au maximum et ne se laisse plus aucune marge de manoeuvre.» (La Presse, 13 octobre 2000).

Une des forces de Matte, rapporte-t-on, est le fait que c'est «un gars ben [bien] ordinaire» (Voir, 28 septembre 2000), avec un vécu ordinaire dont son humour est immédiatement issu : il était vendeur pour l'entreprise familiale de portes et fenêtres avant d'entrer à l'École nationale de l'humour (Le Soleil, 21 octobre 2000). Les gens s'identifient à lui quand il fait une apparition, un numéro ou un spectacle, et il en devient d'autant plus crédible dans une émission comme Caméra Café. Comme humoriste, il parle de ce qu'il vit et, avec ses talents de conteur, transforme une situation banale en une situation banale caricaturée, mais cocasse, bien emballée. Plus spécifiquement, Luc Boulanger, journaliste dans le Voir, énonce que :

«C'est ça, l'art de Martin Matte. Sous l'angle comique, il observe la faille en chacun de nous. La vulnérabilité derrière le mur de nos forteresses imaginaires. La moumoune qui sommeille sous la carapace des machos...» (Voir, 28 septembre 2000).

«Avec le temps, l'âge et l'expérience, imaginez ce que Matte pourra raconter sur la guerre, la solitude, le racisme, l'intolérance, la mort, ou la télévision aliénante.» (La Presse, 13 octobre 2000),

«Martin Matte ne traite pas des grandes problématiques de notre siècle, il n'expose pas de grandes théories. Ils [sic] préfèrent [sic] aborder des sujets quotidiens, et il les traite si justement qu'on ne peut que se reconnaître dans certaines situations qu'il expose.» (Le Quotidien, 14 mars 2002).

«J'écris à propos des choses qui m'énervent et me tracassent. En me repliant de cette manière, j'ai trouvé la meilleure façon d'être unique, de me distinguer des autres.» (Le Droit, 24 mars 2001).

«Si l'arrogance de l'humoriste est parodique, son assurance, elle, n'est pas feinte. Mimiques imparables à l'appui, le p'tit nouveau habite la scène avec une présence, un naturel et un aplomb étonnants. Et son matériel ? Pas très recherché, mais généralement solide. Bon gars straight comme il en pleut sur la planète humour, Martin Matte parle notamment de chars, de détails triviaux des relations de couple, ne dédaigne pas une allusion scato (la blague fait son effet, il faut l'avouer). Mais il dégommerait plutôt l'image du mâle fort. Ses monologues teintés d'autodérision dessinent le portrait d'un froussard qui hésite à affronter son paternel dont il vient de scrapper la jeep, qui emprunte tous les détours possibles pour ne pas défendre une blonde trop téméraire contre les armoires à glace qu'elle a provoquées (un numéro par ailleurs longuet)... La grande qualité du spectacle de Matte tient sans doute à ses accents de vérité.» (Voir, 26 octobre 2000).

«Le caca-pipi-poil, je ne lève pas le nez là-dessus, mais personnellement, je ne me sentirais pas à l'aise de parler de ça sur scène.» (Le Soleil, 21 octobre 2000).

Oui, comme la chanson populaire d'un temps, l'humour ad populum de Martin Matte fonctionne maintenant et fonctionnera encore peut-être même pour 10 ou 20 ans, mais il ne possède pas de portée historique bien puissante et persistante (heureusement, d'ailleurs). À trop miser sur le contenant, le contenu souffre.

Ainsi, la question des thèmes abordés – le contenu, quoi – prend toute sa pertinence. Rester, comme Matte (et de nombreux-ses autres) le fait, dans des sujets faciles, populaires, d'actualité, d'immédiateté, quotidiens, limite grandement les possibilités de généralisation et d'universalité. Ces critères, et non pas le succès médiatique, constituent le noyau bien typique d'un humour mature. Inversement, l'éventail de sujets surutilisés encore une fois recyclés montrent autre chose. Ce déploiement suggère plutôt que Matte, l'humoriste, se complaît dans la création de procédés de résonance, c'est-à-dire qui trouvent succès et écho dans le fait d'être situés dans un contexte spatiotemporel fortement défini, même restreint. Comme un argument dont la principale, voire la seule qualité serait d'être en accord avec ce qu'on pense, l'humour de contenant, la drôlerie-vérité de Matte ne permet définitivement pas d'atteindre une validité à caractère intemporel. Pour cette raison, Matte ne fait pas d'humour drôle. Ce qui ne l'empêche certainement pas d'être comique, habile, bon conteur et orateur, improvisateur authentique, et de jouer un excellent rôle en tant que comédien.

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Accepter cet argument revient à dire que l’auteur-e du geste ou des paroles a été mal compris et que, dans le fond, le sens de l’humour des autres est peu apte à détecter les subtilités. L’explication s’arrête généralement ici parce que l’alternative est de se lancer dans un procès d’intentions qui risque de rendre les gens inconfortables, sinon hostiles. Donc, la personne qui pose des gestes discutables est non pas une brute à l’intelligence limitée, mais bien une maladroite victime des circonstances qui a eue l’audace d’essayer d’être drôle dans un environnement largement peuplé de personnes froides.

Le second degré est une interprétation d’ordre supérieur d’une situation quelconque. Généralement, quand une personne veut provoquer une interprétation au second degré chez l’auditoire, elle s’organise pour laisser des indices évidents pour que l’auditoire réalise que le message manifeste en cache un autre, celui-là latent (cf. Chronique Humour : Classiques, Yvon Deschamps). Le second degré est volontaire, se planifie savamment; ce n’est pas quelque chose qu’il faut déchiffrer a posteriori et justifier longuement. S’il faut expliquer, démontrer, bref, rationaliser, soit l’auditeur-trice manque cruellement de talent, soit il ne s’agit pas de second degré. En ce sens, quelqu’un qui persiste à déployer des arguments pour convaincre qu’une situation appartient au second degré insulte l’intelligence des autres, particulièrement s’il est de mauvaise foi, i.e. s’il apprécie la chose pour ce qu’elle est et tente de la rendre socialement acceptable en invoquant un quelconque second degré inexistant.

Tout comme le second degré, la dérision doit être préméditée et ne peut pas, en principe, servir d’excuse pour des paroles ou des gestes maladroits ou mal intentionnés. Cependant, contrairement au second degré, la dérision peut utiliser des procédés moins évidents, particulièrement lorsque il s’agit de caractériser un ouvrage ou une carrière. Les traces de la dérision peuvent alors être très dispersées, l’ironie ou l’amplification ne frisant pas du tout l’extrémisme. Et que dire lorsque quelqu’un tente de tourner en dérision un phénomène déjà extrême (p.ex. hypersexualisation) ? Ce n’est pas toujours clair, surtout lorsque des exemples extrêmes proches du résultat de la dérision existent. Ainsi, il m’apparaît évident que quelqu’un pourrait dire : «Anne-Marie Losique ne fait que de la dérision; elle n’est pas sérieuse, elle ne fait tout cela que pour l'argent», et ce ne serait pas si aisément réfutable qu’il ne le semble. Dans le fond, est-elle sérieuse ? Qui sait !

La nature subtile de la dérision se prête donc à la confusion. La personne aveuglée par ses grandes analyses littéraires peut facilement tomber dans le panneau de voir de la dérision où elle est totalement absente, tout comme la personne naïve à qui on tente de faire accepter n’importe quoi. Le grossier profiteur qui ne fait qu’extrapoler des recettes gagnantes devient alors un artiste extraordinaire, virtuose de la dérision (et, ma foi, quel sens de l’humour !), qu’il faut rapidement reconnaître comme un des grands esprits de son époque. Tant pis pour les gens incapables d’apprécier tant de finesse ! Mais, ultimement, peut-être que ce spectacle, dit sublime, n’est en fait qu’un concentré de sexisme ou de xénophobie comme on en voit ailleurs dans des contextes sérieux qui ne se réclament pas de la dérision...

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Les humoristes ad populum de la deuxième vague et autres, qui entrèrent peu à peu dans l'industrie, ne tardèrent pas à ériger les principes de l'humour ad populum en doctrine, en idéal, poussant l'idée encore plus loin que leurs prédécesseur-e-s.

Mais pourquoi aller «toujours plus loin» ? La vague du «toujours plus loin» s'inscrit dans la tendance actuelle à l'extrémisme. La violence, la sexualité (p.ex. les femmes et la publicité, par ailleurs de plus en plus jeunes) et le voyeurisme (p.ex. la télé-réalité, un phénomène qui n'existait pas au Québec sous sa forme actuelle avant 2001) sont de plus en plus extrêmes : ils repoussent toujours les limites de l'acceptable, de nos jours, par voie de banalisation. Se cachant derrière des préceptes de liberté manifeste pour faire passer en douce les préoccupations de leurs instincts consuméristes, les médias de la société-spectacle n'arrêtent jamais le nivellement par le bas. Le remède à la banalisation et au blasement de l'extrême devient l'ultra-extrême – vous comprenez le principe – ad nauseam. En fin de compte, tout ce qu'on obtient, c'est un vide existentiel croissant.

Or, les médias conditionnent l'offre, donc les changements d'attitudes et de préférences vers l'extrême, alors le public va vers le-a plus offrant-e (tant qu'à avoir du spectacle, trouvons quelque chose qui déménage vraiment). C'est une question économique, de rapport quantité d'extrémisme:prix. Internet, libre de censure organisée (i.e. tu as des problèmes avec un service trop scrupuleux ? change de serveur !), permet de tendre vers l'extrême-infini et impose ses critères. Les médias plus traditionnels, toujours autant à la recherche de profits, doivent donc s'ajuster s'ils désirent demeurer dans la course : c'est la compétition, qui devient véritablement une Guerre Totale pour le contrôle de notre attention sélective et notre capacité de traitement de l'information.

L'humoriste ad populum, qui dépend entièrement de son exposition médiatique, doit aussi s'ajuster. Sinon, d'autres le feront à sa place et en donneront plus (dans le sens de quantité) pour son argent au public. C'est exactement ce qui est en train de se produire. La troisième vague de l'humour ad populum, qu'est-ce que ce sera ? L'humour ad populum est en crise : il risque de faiblir à cause du mouvement – en fait, on devrait plutôt parler d'une fuite vers l'avant – du cercle infernal, le «toujours plus loin». C'est en quelque sorte ironique de voir que ce qui fait vivre l'humour ad populum risque de compromettre son développement, du moins tant que la mode du «toujours plus loin» continuera. Sauf si l'humour ad populum réussit à stigmatiser son nouveau rival avec l'arme du «politiquement correct»; tout de même, ne soyons pas indûment alarmiste.

Sonnez clairons et trompettes, une nouvelle forme d'humour est en émergence ! En fait, il serait plus exact de parler d'une proche cousine plutôt rustre paysanne, en provenance d'une région éloignée où, dit-on, les alliances consanguines sont courantes. Pratiquée depuis longtemps, cette forme d'humour compte pour la toute première fois une masse critique suffisante pour qu'on parle d'autre chose que d'individus, de cas, d'agitateur-trice-s. Il s'agit de l'humour extrême : il ne connaît que peu de limites sauf celles qui risqueraient de compromettre sa popularité. Ce terme, je vous préviens tout de suite, ne vient pas de moi. Louise Cousineau, journaliste à La Presse, écrivait que :

«Reste l'humour extrême, que vous découvrirez ce soir [dans une diffusion de l'émission Enjeux consacrée aux dérapages de l'humour]. Un sketch «drôle» sur le viol, un autre sur le viol d'une petite fille de huit ans. Pas encore à la télé, mais ça s'en vient sans doute. Tout le continent nord-américain est en train de basculer dans l'humour sexe-pipi-caca. Une bonne émission, et nous sommes dans les sondages BBM. Comme ça tombe bien !» (La Presse, 21 mars 2000).

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Si, comme moi, vous êtes aussi amateur-e-s de médiocrité culturelle dans vos temps libres, vous pouvez, grâce à l'Internet, trouver des sites dédiés à cela. Un musée d'ampleur respectable de la médiocrité culturelle québécoise peut aussi être retrouvé sur le site Kétaineries, qui recense tout ce qui se fait en la matière depuis maintenant plusieurs années. Des heures de plaisir !

Une partie tout à fait notable de la culture médiocre, et on en retrouve déjà des impressions sur les sites ci-haut, passe par la musique ratée, ou de peu de moyens, et généralement la pochette de maigre qualité qui accompagne ces albums. Si ce n'est pas déjà fait, allez visiter Stone : Worst album covers ever. Sérieusement, ma douleur fut grande, et la vôtre le sera tout autant. C'est très difficile à battre.

Enfin, oui, mais si Stone : WCE c'est la joie, hé bien, je peux vous offrir un lien directement vers le paradis. OUI ! MC Gilles anime l'émission Va Chercher le fusil à CISM 89.3, la radio étudiante de l'Université de Montréal. Et si vous n'êtes pas à Montréal, sachez que d'autres radio étudiantes font aussi jouer MC Gilles (p.ex. CHYZ 94.3 de l'Université Laval). Sur son site, vous pourrez trouver des émissions récentes (archives MP3), des extraits sonores, des paroles, mais aussi des pochettes d'albums ! Imaginez Stone : WCE, mais en hebdomadaire, en français, et en direct.

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Entre les chroniques et les reportages, des capsules humoristiques changent l'amusement en rires. Ainsi, un personnage politique, sportif ou culturel quelconque (imitation) peut appeler en plein milieu de l'émission pour faire part de ses préoccupations aux animateurs. Jacques Bertrand fait aussi une revue de presse internationale bidon, citant des quotidiens éloignés qui présentent une réalité étrangement semblable à la nôtre (p.ex. on reconnaît un personnage public ou une émission de télévision dont le nom a été légèrement modifié). Ou encore, il tente d'expliquer un concept complexe à un enfant en guise d'histoire pour l'endormir, ce qui ne réussit pas particulièrement bien puisque l'enfant multiplie les questions, pour le plus grand embarras de Jacques Bertrand.

Philippe Laguë, pour sa part, se métamorphose en commentateur social de droite colérique, en joueur de hockey, en comédien connu, en présentateur météo plus intéressé à promouvoir des méga-activités de beuverie que de parler de conditions de ski, ou fait une parodie d'annonce publicitaire qui prend des allures de critique sociale percutante. Le contenant des capsules évolue au fil du temps : certains concepts sont maintenus, d'autres, abandonnés.

Jacques Bertrand est particulièrement fort pour faire des détournements subtils (premier procédé). Particulièrement dans sa revue de presse, mais aussi tout au long de son animation régulière, il joue sur la consonance et le sens des mots, s'auto-questionne, répond, en arrive à dire des choses un peu absurdes tout en gardant l'entièreté de son sérieux. Lorsqu'il le souhaite, grâce à un vocabulaire étendu qu'il manie avec adresse, il dérive de son point de départ, ce qui donne lieu à des double-sens amusants et inhabituels. Nous sommes bien loin des calembours populaires, usés à s'en morfondre, sur la sexualité.

De son côté, Philippe Laguë est capable d'extraire l'essence d'une personnalité avec efficacité (deuxième procédé). Par son sens de l'observation et de la synthèse, il peut construire toute une imitation, un personnage ou une capsule, à partir d'une seule dimension, et viser juste en ajoutant un accent typique d'un-e comédien-ne ou encore quelques mots bien choisis. Ainsi, Paul Martin, ancien Premier ministre du Canada, passe le plus clair de son temps à vouloir co-opter l'émission pour s'adresser à la nation canadienne («Canadien et Canadiennes, bonsoir.») et à distribuer des cadeaux, prenant la forme de compliments excessifs («Canadiens et Canadiennes, comme vous êtes bien habillés !»)... ou d'enveloppes jaunes. Gilles Duceppe revient incessament sur le fait que le Bloc Québécois est démocratique et fondamentalement utile pour les gens du Québec, et qu'il soulève des questions importantes à la Chambre des communes mais, malheureusement pour lui, ses exemples sont tout sauf convaincants. Le personnage d'Amédée Brisebois, démagogue du gros bon sens, repose aussi sur le procédé d'extraction. Cette fois-ci, au lieu de parodier une personne réelle, Philippe Laguë s'inspire de plusieurs, recréant la théâtralité, l'impulsivité, l'agitation et le manque de rigueur des faiseurs d'opinion (cf. Chronique Médias : Théâtre de Droite).

Lorsque les deux animateurs joignent leurs forces dans un effort humoristique commun, ils se lancent constamment la balle, se donnant la réplique et renchérissant avec grande précision sur ce que l'autre a dit auparavant. Plus la conversation progresse, plus ils s'encouragent mutuellement à s'éloigner du sujet initial, faisant mine de ne pas s'en rendre compte et de croire qu'ils arrivent de plus en plus dans le vif du sujet. Évidemment, ils ratent complètement la cible, et construisent interminablement sur leurs erreurs d'interprétation, leur degré de confiance et de conviction augmentant sans cesse. Le résultat est toujours inusité, et les animateurs soulignent au passage aux auditeur-trice-s à quel point ils réussissent à éviter les pièges dans leur analyse.

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